Julian Sevilla 906-2013 Artística.

 MASCARAS.

Historia.

Los etnólogos sitúan el nacimiento de la máscara en el momento en que se produce la autoconciencia –conciencia de uno mismo-. Su uso se remonta a la más lejana antigüedad encontrándose entre los egipcios, griegos y romanos. Los griegos las empleaban en las fiestas dionisíacas; los romanos durante las lupercales y las saturnales y además en las representaciones escénicas.

Antes de la Edad Antigua, el hombre estaba estrechamente vinculado con los animales y con su mundo circundante; conoce el miedo a las fuerzas por las que se encuentra amenazado: una tempestad, un animal salvaje o espíritus, por lo que considera necesarios símbolos y escudos protectores. Este sentimiento recae en todo el entorno y en que a todos los seres se les concede fuerzas sobrenaturales y sobre ellos se proyectan contenidos inconscientes; en consecuencia, se “personificaran” para influir en las fuerzas demoniacas.

Entre los griegos y romanos, las máscaras eran una especie de casco que cubría enteramente la cabeza y además de las facciones del rostro, tenía pelo, orejas y barba habiendo sido los griegos los primeros en usarlas en sus teatros a fin de que los actores pudieran semejarse físicamente al personaje que representaban.

En Grecia la máscara no solo va a infundir temor, si no, también, alegría de vivir. Las fiestas rituales van a dejar paso a las representaciones teatrales; marcando así, una distancia entre ella misma y quien la porta.

Durante la Edad Media hubo mucha afición a los disfraces y máscaras, incluso en las fiestas religiosas como la del asno o la de los locos. Las máscaras representaban símbolos de la fuerzas demoniacas dando cuerpo a los personajes del infierno. En los torneos, ciertos caballeros que no querían ser conocidos combatían con máscara.

Durante el Renacimiento tuvieron un auge inesperado con la comedia dell’arte italiana, siendo las mascaras notablemente burlescas para estas comedias de improvisación con un repertorio fijo de personajes y esquemas básicos argumentales –por lo tanto arquetípicos-: arlequines, pierrots y colombinas, entre otros, que podían decir impunemente la verdad. Con todo, el mayor empleo de la máscara tenía efecto en el siglo XVIII, en Italia y, sobre todo, en Venecia, durante el Carnaval.

Las primeras máscaras se hicieron de corteza de árbol, luego fueron de cuero forrado de tela y por último las hacían de marfil o de madera para que tuvieran más consistencia y texturas más reales. Desde el siglo XVI al XVIII las damas adoptaron las máscaras con el nombre de antifaces para resguardarse del sol.

Artistas y obras.

 Las comunidades kamëntsá e Inga    

Comunidades mayas.

el brujo nganga

Provincia de Ogooué

Videos de Mascaras.

Imágenes de las mascaras

Cuadro comparativo

No Mascaras

• No podríamos llegar al anonimato.
• Tendríamos ser nosotros mismos.
• No utilizaríamos el escapismo como arte.
• La religión antigua ya no tomaría sentido.
• Habría falta de cultura general entre los diferentes continentes. 

Mascaras

• Podemos llegar a un anonimato sin ningún problema.
• Podemos ser cualquier persona la gusto propio.
• Podemos escapar de cualquier situación gracias a las mascaras.
• La religión toma sentido a llegar a aparentar a sus "Dioses" y "Demonios" en estas mascaras.
• Los continentes se identifican por algún tipo de mascara.

Mapa conceptual.

Mascaras.

Historia

Los etnólogos sitúan el nacimiento de la máscara en el momento en que se produce la autoconciencia –conciencia de uno mismo-. Su uso se remonta a la más lejana antigüedad encontrándose entre los egipcios, griegos y romanos. Los griegos las empleaban en las fiestas dionisíacas; los romanos durante las lupercales y las saturnales y además en las representaciones escénicas.

Antes de la Edad Antigua, el hombre estaba estrechamente vinculado con los animales y con su mundo circundante; conoce el miedo a las fuerzas por las que se encuentra amenazado: una tempestad, un animal salvaje o espíritus, por lo que considera necesarios símbolos y escudos protectores. Este sentimiento recae en todo el entorno y en que a todos los seres se les concede fuerzas sobrenaturales y sobre ellos se proyectan contenidos inconscientes; en consecuencia, se “personificaran” para influir en las fuerzas demoniacas.

Durante la Edad Media hubo mucha afición a los disfraces y máscaras, incluso en las fiestas religiosas como la del asno o la de los locos. Las máscaras representaban símbolos de la fuerzas demoniacas dando cuerpo a los personajes del infierno. En los torneos, ciertos caballeros que no querían ser conocidos combatían con máscara.

Uso Ceremoniales.

Las máscaras se usan en funciones rituales, sociales y religiosas, donde los participantes las usan para representar las figuras espirituales o legendarias. En algunas culturas también se cree que el usar una máscara permitirá que el portador tome las cualidades de la representación de esa máscara; es decir, una máscara de leopardo inducirá al portador a convertirse o actuar como leopardo.

Permiten a su vez una unión entre la divinidad, los vivos y los muertos; entre sus antepasados y él mismo; es decir, que la máscara recoge este conflicto del hombre con la muerte. El cambio de identidad en el usuario de esa máscara, es vital, porque si el espíritu representado, no reside en la imagen de la máscara, el ritual en el que se use, será poco eficaz, y las plegarias, ofrendas y peticiones, no tendrán significado ni sentido. Pueden funcionar para contactar poderes espirituales de protección contra las fuerzas desconocidas del universo y el triunfo de la vida.

La persona que usa la máscara también está en una asociación directa con el espíritu, por lo que corre el riesgo de ser afectado por él. Así como el creador, el portador debe seguir ciertos procedimientos para protegerse, así como manifestar su respeto. De alguna manera es un actor en colaboración o cooperación con la máscara. Sin su actuación, sus posturas, los pasos de la danza y la sucesión de ésta, la máscara quedaría sin la fuerza vital completa.

Las máscaras pueden funcionar para contactar poderes espirituales de protección contra las fuerzas desconocidas del universo y el triunfo de la vida. En otras ocasiones, invocación a las fuerzas de la guerra.

En México y Centroamérica, la mayoría de las ciudades tienen nombre cristiano y nombre indígena, por ejemplos, Tianguistenco, Santiago Tianguistenco, o Santa María Axixitla. Todos los santos cristianos tienen un día específico en el año dedicado a ellos, y cada ciudad típicamente tiene un festival durante ese día, implicando la combinación de las tradiciones cristiana e indígena. Estos festivales incluyen con frecuencia los desfiles y teatro callejero donde actúan una historia. Las máscaras y los trajes de estos festivales se convierten en artículos de colección. 

En Borneo, las tribus dajao vienen realizando hasta nuestros días el ritual de la máscara en el que atrapan al espíritu del arroz.

Su uso es presente también en ritos de regeneración y culto a los muertos, porque también de ellos, de su posible regreso, protege la presencia de la máscara (desde Etruria, Italia hasta Teotihuacán, México).

Para el entretenimiento.

En obras del teatro. El uso de máscaras en las obras dramáticas de la Grecia antigua se desarrolló con propósitos ceremoniales. Las máscaras son también una característica que define del teatro de Noh en Japón. La palabra inglesa person (persona) viene de una palabra latina usada para designar una máscara de teatro:   per-sona = por-sonido (a través del sonido) = lo que viene a través de la voz del actor. La palabra del Griego antiguo prosopon = cara significaba originalmente delante de la cara, es decir. máscara de teatro
Como parte de celebraciones en carnavales de algunas partes del mundo; Venecia es la ciudad más famosa por esto. La máscara es una parte indispensable del traje de un personaje particular como el arlequín.
En bailes de máscaras, eventos populares en la nobleza europea de los siglos XVII y XVIII.
Las máscaras de látex se utilizan en el cine como parte de algún elaborado maquillaje de los personajes y cuando quieren imitar a un individuo.

En el Libro de las Máscaras del anticuario y coleccionista Francesco Ficoroni se observan los diferentes tipos de máscaras que se usaban en el Teatro mediaval así como las que se usaban en el arte funerario romano. En él se pueden ver 85 grabados de Cesare Mazzoni y Pomerade.

ROSTROS Y FIGURA HUMANA.

Historia:

El dibujo aparece como lenguaje de comunicación de acontecimientos mágicos,  como motivo ornamental o inclusive como carácter no figurativo, en forma de pictograma aun por descifrar.

Origen:

Desde las cuevas del palioliticas hasta los abrigos represtes.

Conceptos:

Existen 3 cánones para determinar las proporciones de la figura humana

1.canon de siete cabezas y media=figura como canon de ocho cabezas y media figura=(erótica) entre las proporciones de industrias parte del cuerpo.1 cabeza=1 modulo del cuerpo=8 cabezas de alto y 2 cabezas de ancho hombros =1 tercio hacia abajo del modulo 2 tetillas igual modulo 2 espacios entre tetillas=un modulo ombligo=justo por debajo del modulo 3 codo,cintura=justo arriba del modulo 3 pubis,muñecas= módulos y media rodilla=justo arria del modulo 6 de perfil.

Artistas con obras.

Vince van gogh: Autorretrato con la oreja vendada.

Leonardo Da Vinci :La mona Lisa.

Édouard Manet: Olympia

  Leonardo da Vinci: hombre de Vitruvio

Videos de Rostros y cuerpo humano

Imágenes de Rostros y Figura humana.

Cuadro comparativo.

Rostros.

• Llegamos a detallar las pequeñas Facciones de nuestros rostros.
• No llegamos a detallar de nuestro cuello.
• podemos llegar a ser ingeniosos para crear algún cambio estético.
• Al no detallar mas de nuestro cuello olvidamos algunas partes muy importantes del cuerpo.
• podemos inventarnos nuestros propias facciones de un rostro.

Figura Humana.

• Podemos detallar nuestro cuerpo entero y decidimos a crear cambios.
• Llegamos a detallar nuestro cuerpo pero no podemos detallar las facciones mas pequeñas como ojos y pestañas.
• Al ver todo nuestro cuerpo podemos a crear cambios estéticos.
• No olvidamos ningún espacio del cuerpo.
• Podemos jugar con la estética de las personas al retratarlas.

Mapa conceptual

Historia:

El dibujo aparece como lenguaje de comunicación de acontecimientos mágicos,  como motivo ornamental o inclusive como carácter no figurativo, en forma de pictograma aun por descifrar.

Origen:

Desde las cuevas del palioliticas hasta los abrigos represtes.

Conceptos:

Existen 3 cánones para determinar las proporciones de la figura humana

1.canon de siete cabezas y media=figura como canon de ocho cabezas y media figura=(erotica) entre las proporciones de industrias parte del cuerpo.1 cabeza=1 modulo del cuerpo=8 cabezas de alto y 2 cabezas de ancho hombros =1 tercio hacia abajo del modulo 2 tetillas igual modulo 2 espacios entre tetillas=un modulo ombligo=justo por debajo del modulo 3 codo,cintura=justo arriba del modulo 3 pubis,muñecas= módulos y media rodilla=justo arria del modulo 6 de perfil.

Características:

1.            La externidad:

la estructura biológica inmediata:juventud, adulto, viejo las vestimentas : su complemento el entorno próximo y alejado.

2.            El cuerpo visible : con músculos, huesos, el cráneo, el cabello, las orejas, la frente , la nariz, los pómulos, los ojos, la boca, el mentón, el cuello, la barba, la piel.

3.            Lo psíquico, la sensibilidad, el dolor, el placer, el aburrimiento, la soledad, lo divertido, el fastidio, la alegría, el pánico.

4.            El referente cultural es: la belleza, la fealdad, la inteligencia, lo limítrofe, lo ideológico, la política, lo religioso.

5.            El hito filosófico el existencialismo, la realidad, el drama, la tragedia, el exterminio, la trascendencia, el paradigma, el cono, la vida, la muerte, al ética y la moral.

6.            El espacio:el paisaje, la multitud, la arquitectura, el intimismo,  la historia, la cultura, la cuidad.

7.            La materialidad de la obra, el papel, la tela, el muro, los carbonos, los gráficos, los oleos, los pinceles; la madera, la piedra, la grea, el metal.

Años y Siglos:

1.            El siglo VIII típicos del estilo roco con un enfoque neo-clásico.

2.            El siglo XX el dibujo tiende a ser constructiva aunque mas abstracto.

3.            El siglo XXI ante la supremacía de los siglos electrónicos de comunicación  el dibujo tiende a ser remplazado por una diversidad de formas y expresiones gráficas.

Paisaje

Historia
Antigüedad

En los tiempos de las más antiguas pinturas chinas a tinta se estableció la tradición de paisajes «puros», en los que la diminuta figura humana simplemente invita al observador a participar en la experiencia.

Del Antiguo Egipto se conservan algunas representaciones de paisajes esquemáticos en las tumbas de los nobles, grabadas en relieve durante elImperio Antiguo y pintadas al fresco en el Imperio Nuevo; suelen enmarcar escenas de caza o ceremonias rituales.

En Pompeya y Herculano se han preservado frescos romanos de cuartos decorados con paisajes del siglo I a. C. En la antigüedad grecorromana, el paisaje se pinta como fondo o entorno para contextualizar una escena principal.

Edad media

Durante toda la Edad Media cristiana y el Renacimiento, el paisaje se concibe como una obra divina y su representación hace referencia a su Creador. En la pintura occidental, la representación realista del paisaje comenzó dentro de las obras religiosas del siglo XIII. Hasta entonces, las representaciones de la naturaleza en el arte pictórico había sido arquetípica: líneas onduladas para el agua o festones para las nubes. Fue Giotto el primero que, abandonando los precedentes modelos bizantinos, sustituyó el fondo dorado de las imágenes sagradas por escenarios de la realidad. Aunque autores como Boccaccio alabaron su realismo de Giotto,¹ lo cierto es que no dejaban de ser muchas veces representaciones simples: un árbol representaba un bosque, una roca una montaña. Poco a poco, a lo largo de la Baja Edad Media, esos fragmentos de naturaleza que aparecían en las escenas sagradas o míticas fue ampliándose, pero su carácter secundario lo revela el hecho de que muchas veces se dejaba a ayudantes, como ocurre en La Anunciación florentina de Fra Angélico. Dentro del estilo italo-gótico, Ambrogio Lorenzetti superó la representación topográfica para crear auténticos paisajes dentro de sus alegorías del Buen y del Mal Gobierno en el Palacio Comunal de Siena, al estudiar las horas del día y las estaciones. La pintura gótico-flamenca se caracteriza por su «realismo en los detalles», conseguido en gran medida gracias a la nueva técnica de la pintura al óleo; entre los aspectos a los que se prestó más atención y realismo estuvo el paisaje, tanto natural como urbano. Cabe citar, a este respecto, el plano del fondo de la Virgen del Canciller Rolin, auténtico paisaje en el que se detalla un jardín, más allá de él un río y a los lados una ciudad contemporánea del pintor.

Artistas y obras.

Pieter Brueghel el Viejo, Los cosechadores

 Giotto: Detalle de la «Huida a Egipto

Rubens: Paisaje con arco iris

Vincent van Gogh: La noche estrellada

Videos de paisajes

Imágenes de paisajes

Cuadro comparativo.

Paisaje a color.

• Podemos definir las diferentes texturas.
• Podemos jugar con la combinación de colores.
• Nos toma mas tiempo terminarlo.
• Podemos jugar con la luz del dibujo.
• hay mucho mas realismo en este tipo de paisajes.

Paisajes a blanco y negro.

• Tenemos que aumentar en volumen para crear texturas.
• Tenemos dos todos para jugar con luz y sombra.
• Son las rápidos de terminar.
• tenemos menos luz.
• Podemos crear parentescos con la realidad.

Mapa conceptual.

 Historia

Antigüedad

En los tiempos de las más antiguas pinturas chinas a tinta se estableció la tradición de paisajes «puros», en los que la diminuta figura humana simplemente invita al observador a participar en la experiencia.

Del Antiguo Egipto se conservan algunas representaciones de paisajes esquemáticos en las tumbas de los nobles, grabadas en relieve durante elImperio Antiguo y pintadas al fresco en el Imperio Nuevo; suelen enmarcar escenas de caza o ceremonias rituales.

En Pompeya y Herculano se han preservado frescos romanos de cuartos decorados con paisajes del siglo I a. C. En la antigüedad grecorromana, el paisaje se pinta como fondo o entorno para contextualizar una escena principal.

Edad media

Durante toda la Edad Media cristiana y el Renacimiento, el paisaje se concibe como una obra divina y su representación hace referencia a su Creador. En la pintura occidental, la representación realista del paisaje comenzó dentro de las obras religiosas del siglo XIII. Hasta entonces, las representaciones de la naturaleza en el arte pictórico había sido arquetípica: líneas onduladas para el agua o festones para las nubes. Fue Giotto el primero que, abandonando los precedentes modelos bizantinos, sustituyó el fondo dorado de las imágenes sagradas por escenarios de la realidad. Aunque autores como Boccaccio alabaron su realismo de Giotto,¹ lo cierto es que no dejaban de ser muchas veces representaciones simples: un árbol representaba un bosque, una roca una montaña. Poco a poco, a lo largo de la Baja Edad Media, esos fragmentos de naturaleza que aparecían en las escenas sagradas o míticas fue ampliándose, pero su carácter secundario lo revela el hecho de que muchas veces se dejaba a ayudantes, como ocurre en La Anunciación florentina de Fra Angélico. Dentro del estilo italo-gótico, Ambrogio Lorenzetti superó la representación topográfica para crear auténticos paisajes dentro de sus alegorías del Buen y del Mal Gobierno en el Palacio Comunal de Siena, al estudiar las horas del día y las estaciones. La pintura gótico-flamenca se caracteriza por su «realismo en los detalles», conseguido en gran medida gracias a la nueva técnica de la pintura al óleo; entre los aspectos a los que se prestó más atención y realismo estuvo el paisaje, tanto natural como urbano. Cabe citar, a este respecto, el plano del fondo de la Virgen del Canciller Rolin, auténtico paisaje en el que se detalla un jardín, más allá de él un río y a los lados una ciudad contemporánea del pintor.

Clases de paisaje

Por la manera en que está tratado el tema del paisaje, cabe distinguir tres tipos fundamentales:

• El paisaje "cósmico" o "sublime", en el que se presenta la naturaleza de manera salvaje, inmensos paisajes que no necesariamente representan lugares realmente existentes, y en los que el hombre se siente perdido. Dentro de esta línea estaría el «paisaje naturalista» que refleja una naturaleza grandiosa, abundante y salvaje, en la que aparecen fenómenos atmosféricos como tormentas. Es propio de los artistas del norte de Europa, especialmente de la pintura de Alemania, como Durero, Elsheimero Friedrich.
• La naturaleza "dominada" por el hombre, como ocurre con el paisaje flamenco o neerlandés. La presencia del hombre hace que la naturaleza no parezca amenazadora. Muchas veces acaba siendo un "paisaje topográfico", que representa necesariamente un lugar preciso e identificable, con una naturaleza presentada de la manera más humilde. Dentro de esta línea pueden citarse a Patinir, Pieter Brueghel el Viejo o los maestros holandeses del siglo XVII.
• La naturaleza "colonizada" por el hombre, lo cual es típico del paisaje italiano. Aparecen campos cultivados de relieve, colinas, valles y llanuras con casas, canales, carreteras y otras construcciones humanas; la naturaleza ya no es una amenaza, sino que el hombre, además, la ha hecho suya. Dentro de este tipo de paisaje puede hablarse del «paisaje clásico», donde se representa una naturaleza ideal, grandiosa. La representación no es creíble, sino recompuesta para sublimar la naturaleza y presentarla perfecta. En este tipo de paisaje suele esconderse una historia. Es tópica la presencia de elementos de arquitectura romana, combinados con una montaña o una colina y con un plano de agua. Este tipo de «paisaje ideal» fue creación de Annibale Carracci, al que siguieron Domenichino y el francés Poussin. Durante siglos, el paisaje italiano fue el modelo académico siendo además Italia el país al que acudían los artistas de toda Europa para formarse.